Un idílico verano va a convertirse en la peor de las pesadillas para otro grupo de despreocupados jóvenes de vacaciones. Ignorando el legado de sangre del campamento de Crystal Lake, uno por uno van siendo víctimas del maníaco Jasón, quien los acecha en cada momento.
La famosa secuela que presenta la icónica mascara de hockey y cuyo merito es solo eso.
Toda la energía vista en el capitulo anterior es perdida en esta película básicamente porque Steve Miner (que repite como director) estaba mas preocupado en el uso del 3d que en mantener o crear alguna escena medianamente interesante.
Lo mas gracioso es que esta secuela (como la anterior y alguna que otra) presenta por lo menos un buen trabajo de iluminación (vean las escenas que pasan dentro de la casa donde esta parece calido) aunque esto no es un gran merito en si pero por lo menos sirve para ver que cierta profesionalidad había.
De todas formas Miner sigue sin lograr mantener el interés en lo que pasa en la pantalla (y el hecho de que la película sea más larga que sus antecesoras es otro a su ataúd).
Pero lo interesante es como las cuatro primeras películas de la saga cuya historia se entrelazan se niegan a si misma. Sacando tal vez la segunda que tenia mas continuidad con la original aunque se pisaba la cola tratando de esta una mitología. El resto puede ser (hablando de la saga original o sea la de Jason con manos y cara ‘’normales’’) como capítulos aparte. El hecho de que esta secuela muestre a Jason con otro aspecto y ropa demuestra su carácter de explotación, lo cual uno puede estar o no de acuerdo. Pero ahora el hecho de que la película pase dos o tres días después de la anterior directamente saca sentido hasta a su propio titulo.
Dirección: Steve Miner
Guión: Martin Kitrosser, Carol Watson
Producción: Frank Mancuso Junior
Director de fotografía: Gerald Field
Música: Harry Manfredini
Con: Dana Kimmel, Paul Kraftka, Larry Zerner.
Cinco años después del terrible baño de sangre del campamento de Cristal Lake, todo lo que queda es la leyenda de Jasón Voorhees y de su madre demente, que asesinaron a siete jóvenes. En un campamento cercano, nuevos veraneantes desoyen las advertencias de alejarse del tristemente famoso lugar. Despreocupados, los jóvenes recorren la zona... sin advertir una amenazadora presencia oculta.
La primera secuela se estreno un año después luego del mega éxito de su antecesora. Ya sin Tom Savini ni Sean S Cunningham la dirección corrió a cuenta de Steve Miner, productor también de la anterior y es mucho mejor que su antecesora.
Lo interesante al ver esta segunda parte es como en realidad es una remake de la anterior. De hecho hay escenas que se repiten. Desde tres personajes en una camioneta hasta, hasta el numero de victimas, la cantidad de jóvenes que quedan en la casa a merced del asesino ¡y hasta un personaje se parece a otro! Estamos hablando de 1981 el año del cine slasher y ya el subgénero mostraba señales de limitación. No es que este mal esta limitación si se tiene un buen director pero la mayoría de las películas slasher no lo tenían.
Lo otro llamativo es como lisa y llanamente esta secuela roba de Bahía de Sangre. Le roba hasta asesinatos (el de la cama) y hasta un personaje en sillas de ruedas! La originalidad de la saga llegaría luego de varias secuelas pero sin cambiar demasiado el fondo pero si el formato.
Aun así esta secuela es inmensamente mejor que la primer parte. En parte porque Steve Miner sabe aprovechar los recursos que tiene (y eso que sigue siendo una película de bajo presupuesto) Vean por ejemplo como en varias secuencias pasan dos acciones lo cual nos mantiene atentos de todo el cuadro.
También logra mediante esa técnica de que pasen dos acciones al mismo tiempo que la secuencia de persecución se vuelva realmente interesante. El hecho de que dure más de cinco minutos logra que el efecto de tensión crezca.
Y logra crear alguna que otra escena de suspenso. Jason (porque en la segunda parte ya sabemos que es Jason) subiendo las escaleras a punto de matar a una pareja. Toda la primera secuencia viendo sus piernas como se dirigen a la casa de la sobreviviente de la película anterior.
Pero por sobretodo esta película es la que le dio vida a Jason Voorhees y lo convirtió en el asesino que todos conocemos. Hay algo interesante en esto que es como es tratado el personaje. Es visto como una especia de leyenda, de hombre de campo. Digamos como seria realmente si existiera este personaje. Algo así como un ermitaño que tiene su propia casa. Sin olvidar la manera en que viste (como hombre de campo) hasta la mascara tiene sentido con la realidad, no es algo absurdo como la mascara de hockey. Esta imagen se fue perdiendo en sucesivas secuelas dando paso a la imagen del asesino imparable (error en el cual cayo su remake).
No es igual que sea una gran profundidad en el personaje pero si es una continuidad lógica, a diferencia de su tercer parte que opta por una nueva imagen ¡y que pasa un día después!
El resto sigue siendo lo mismo pero censurado (lamentablemente hasta el día de hoy es imposible conseguir una copia sin cortes). Pero afortunadamente Miner demuestra cierto talento y hace que la cosa sea más tolerable. Ayuda que su actriz principal Amy Steel demuestre un rango actoral más que destacable, en particular en el último enfrentamiento. Y lo que es más importante, esta es la única secuela que tiene una verdadera continuidad con la primera parte. El resto (incluyendo la saga original) tranquilamente pueden ser vistos como capítulos individuales sin nada que las ate a su iniciadora.
Dirección y producción: Steve Miner
Guión: Ron Kurz
Música: Harry Manfredini
Director de fotografía: Peter Stein
Con: Amy Steel, John Furey, Adrienne King, Betsy Palmer
Varios jóvenes pasan sus vacaciones en un campamento de verano, reabierto recientemente, y en el que unos años antes murió un joven ahogado en el lago. En poco tiempo, algunos de ellos son encontrados sin vida.
Hay cosas que realmente sorprenden a un cinéfilo. Como por ejemplo el hecho de que películas malas o mediocres logren ser de culto o cambiar todo un genero o peor crear toda una saga. Si, hacen bien en pensar sobre Viernes 13 porque cualquier cosa de lo anteriormente dicho se aplica a ella.
Viernes (por lo menos la primera parte) es un mediocre filmado por alguien mediocre. Contiene si alguna que otra cosa interesante pero por lo general es un slasher del montón solo que apoyado por una gran distribuidora (la Paramount)
¿Qué aspectos positivos tiene? Ver por ejemplo el grado de realismo que había logrado Tom Savini en el campo de los efectos especiales en aquella época. La poca iluminación le juega a favor en algunas secuencias (particularmente de noche y las escenas del baño). Y Cunningham logra por lo menos crear una buena escena de suspenso (la escena del baño)
Ah y ver a un joven Kevin Beacon siendo asesinado es memorable
Pero lamentablemente el resto es desechable. Pobre visualmente (miren como para ahorrar recursos la cámara sigue los personajes sin que haya apenas cortes, cuando la en la segunda parte este problema es resuelto con inteligencia).
Cualquier intento de hacer avanzar la trama logra el efecto contrario porque justamente no hay trama, ni personajes. Comparen (esta mal lo se) Bahia de sangre de Mario Bava (la cual tiene una historia y hasta asesinatos similares) con Viernes 13 y verán el verdadero talento de un director.
Si, no esta mal que sea cine explotation. El problema es que en realidad quiere jugar en las grandes ligas y por eso se trata de ver para otro lado lo que realmente es. Una película de terror barata.
Irónicamente esta película poco trascendente y la cual no tuene mucho que ofrecer engendro varias secuelas interesantes por lo menos y que muestran que en otras manos si se puede jugar perfectamente con los parámetros del cine clase B
Y varias secuelas son mejores que esta primera parte.
Director y productor: Sean S Cunningham
Guión: Victor Miller
Director de fotografía: Barry Abrams
Música: Harry Manfredini
Con: Betsy Palmer, Adrienne King, Jeannine Taylor, Kevin Bacon, Ari Lehman
Cuando una pareja regresa de la boda de unos amigos, estalla una violenta tormenta y el coche se les avería. Así las cosas, no tienen más remedio que refugiarse en un castillo, donde el doctor Frank-N-Furter vive entregado a la fabricación de una especie de Frankenstein
Una película extraña que consigue justamente su encanto en ser raro. Rocky Horror es un canto a lo bizarro, a lo retorcido, a lo naive visto desde un musical que se burla y hace homenaje al cine de terror y ciencia ficción de la década del 50. Y uno tiene que entrar en este juego y aceptarlo.
The Rocky horror es también un canto a la diversión desprejuiciada. ‘’No sueñes, vívelo’’dice una de las canciones y ese parece ser el motivo principal. Dejarnos llevar por la música, los personajes. Eso es el cine. Transportarnos a su mundo y en este caso usando la música (siempre poderoso para lograr este efecto de transportación). Y además las canciones son muy pegadizas.
Capaz que el hecho de que la película tenga una sexualidad abierta pueda molestar a los espectadores casuales pero ahí también reside su encanto ya que habla de una época en donde el Glam reinaba y se mezclaba con el trash y era también una época antes del HIV.
Rocky horror cuenta con un personaje ya icónico. El Frank’n Furter de Tim Curry. El hecho de que hoy en día aun lo recordemos y que nos parezca moderno demuestra el poderío de la actuación de Curry. Un actor que siempre se mimetizo con los personajes (vean sino a su Pennywise en IT)
¿Y por que se volvió de culto? Porque una película así no podía ser defendida en una época como los 70, donde el público no buscaba ver eso y donde todo parecía querer ser perfecto luego de la guerra. De cierto modo Rocky Horror fue una base para lo que seria los 80. Una década donde lo trash y lo camp iban de la mano y era aceptado por el publico.
Dirección: Jim Sharman
Guión: Richard O Brien, Jim Sharman
Producción: Lou Adler
Dirección de fotografía: Peter Suschitzky
Con: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O Brien, Patricia Quinn, Meatloaf.
Un anillo que es usado para señalar a victimas de un sacrificio humano por parte de una secta cae en las manos de Ringo Starr. El junto a los otros integrantes de los Beatles comienzan a vivir aventuras tratando de escapar de la secta y de un par de científicos locos.
Y finalmente paso. Luego de la innovación de A Hard days night la compañía quería seguir explotando la beatlemania pero para 1965 el panorama había cambiado debido a la inmensa cantidad de bandas que habían surgido a la sombra de los Beatles (algunas inclusive los influenciaron como The Byrds) capaz por eso el mismo equipo de antes prefirió hacer que ni fuera tan novedoso pero si divertido
Y si el año 1965 dio pie a las parodias de espías debido al éxito del superagente 86. Algunos títulos interesantes fueron Modesty Blaise y Casino Royale (esta ultima muy divertida). Entonces que mejor que juntar esto y explotarlas. Si, digamos que los Beatles cayeron en la misma trampa que Elvis pero como estaban en el lugar y tiempo diferente la cosa resulto más simpática que los mamarrachos de Elvis.
Lo más llamativo de Help es como es en realidad un mundo falso donde a los Beatles no les puede pasar nada. Ya no existen los fans (sinónimo capaz de que el fanatismo se había calmado) y el mundo exterior no existe. Los Beatles son parodias de si mismos, caricaturas, como los son los demás personajes hasta la misma historia no tiene sentido.
Y esto da pie a jugar con todo el film. El hecho de que en esa época los Beatles estuvieran drogados la mayor parte del tiempo da a entender el (sin) sentido. Romper con la idea de film tradicional era algo típico de la época y Lester comprendió eso pero no quiso innovar como lo había hecho anteriormente sino divertirse
Vean las constantes inscripciones que interrumpen a lo largo de todo el metraje y que rompe con la continuidad del film (como ese intermedio que no tiene ningún sentido) o el mismo desenlace juega con esta idea.
Si, es divertida, es colorida. Hay una sensación de vida que recorre en cada minuto. Es una celebración a la música en distintos lugares del planeta (algo que pasaba en todo el cine de aventuras que ocurría en distintos paisajes).
Lo otro importante es como la imagen pasa a segundo lado. Acá lo importante es el sonido.
Ojo no es que no haya ideas visuales, las hay (el color de la casa de los Beatles, la ropa que usan, como es cada cuarto pero capaz con un director como Mario Bava el resultado hubiera sido visualmente y sonoramente impresionante) pero lo mas importante es la atención a la banda sonora (y no me refiero a las canciones únicamente). Durante todo el film lo que escuchamos es un doblaje hecho por los mismos Beatles (la secuencia donde los Beatles son atacados en un baño por maquinas de secar es un ejemplo, como también el ataque a la casa de ellos donde Paul se vuelve diminuto ¡escuchen lo que dice Lennon y como no concuerda con el movimiento de la boca!) lo cual provoca que uno quiera ver nuevamente el film para captar todo lo que dicen (aunque sean palabras sin sentidos y onomatopeyas)
Las películas de los Beatles (las dos primeras en realidad) siempre tuvieron la suerte de contar con grandes secundarios. Como lo fueron en Hard days night el abuelo y los encargados de los cuatro de Liverpool. En esta nueva aventura el científico y su ayudante se roban cada escena junto al líder del culto, los cuales le ponen más humor a una banda que no es tan graciosa. Seamos sinceros el gracioso del grupo es Ringo (de ahí que los dos films giren en torno a el) y después John. Los otros no tiene el peso actoral necesario pero afortunadamente los cuatro juntos son uno y la cosa funciona porque se veía a un grupo unido.
Una diversión con los Beatles. Unir la música con el entretenimiento (ambas cosas pueden servir para el mismo propósito). La libertad, el humor. Help! es una de esas películas hechas con vida, no serán las grandes películas pero celebran la vida, la música, los pasajes exóticos. Y todo con felicidad.
Y pasar un buen tiempo con una banda
Dirección: Richard Lester
Guión: Marc Behm, Charles Wood
Director de fotografía: David Watkin
Música: The Beatles
Con: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr
Un tranquilo y pequeño pueblo de Maine está siendo aterrorizado por una fuerza malévola oculta tras la máscara de un payaso, y que tan sólo se la conoce como "It". Tras sus primeras víctimas, una pandilla formada por siete amigos de la infancia deciden volver a reunirse para atacar el mal y destruirlo, intentando librar así del terror a su pueblo nata
Es muy difícil no caer en el lugar común a la hora de hablar de esta película pero no ya no importa. Alguien lo tiene que decir. Que pena que no hayan tomado a pie de letra el libro original a la hora de hacer la versión fílmica. Es entendible por un lado dado que el libro contiene unos 1000 paginas y que el ultimo tercio es tan delirante (¡la acción transcurre en otra dimensión¡) que solo alguien con la imaginación visual de Peter Jackson o San Raimi podría hacerlo.
Pero también es cierto que los temas que toca la historia original son muy difíciles de tratar (se habla de sexo homosexual entre adolescentes, violencia familiar pasando por pedofilia) y hablar de eso en una miniserie para la televisión es igual al suicidio.
¿Qué queda pues? Una miniserie de dos partes en que la primera es muchísimo mejor que la segunda.
El principal motivo de porque la película funciona tiene nombre y a apellido: Tim Curry, el actor británico que interpreta el papel de Pennywise el payaso (anteriormente había hecho el papel del doctor Fran’ N Furter en The Rocky Horror picture show). Decir que todo el mundo odia a los payasos debido a su interpretación es poco. Curry siempre logro meterse en los personajes, los cuales uno después no sabe separar a la persona del actor. Y si, el personaje es esplendido, logra dar miedo y a la vez atraernos y sumado a ese maquillaje se vuelve en una personalidad difícil de olvidar.
Pero la primera parte funciona tal vez por las actuaciones de los niños. No solo actúan bien sino que también se nota la buena química que hay entre ellos. Y es por eso que creemos todo lo que estamos viendo. Además Wallace nos ofrece una que otra secuencia memorable (como la muerte del pequeño y la primera aparición del payaso) y demuestra un gran timing a la hora de crear estos momentos.
La segunda parte puede ser vista como una secuela. Y se sabe que segundas partes nunca fueron buenas. Es cierto que hay que verla para que toda la historia cierre pero entre las penosas actuaciones (el premio se lo lleva la actriz Annete O’ Toole), la poca química que hay entre los actores, las pocas (se cuentan con los dedos) apariciones de Pennywise y encima ese final espantoso que le quita toda seriedad al personaje de Curry hace que uno sienta lastima al ver como los responsables tiraron por la borda todo lo que habían conseguido anteriormente.
Al final lo que queda es una buena parte seguida de otra mala pero que hay que ver. El status de culto lo logro debido a Curry y su interpretación y lo tiene bien merecido. Wallace lo único que hace es filmar rutinariamente (típico de una miniserie para la televisión) y en ocasiones logra algo.
Pero solo recordaremos a Curry y su Pennywise.
Director: Tommy Lee Wallace
Guión: Lawrence D. Cohen, Tommy Lee Wallace
Música: Richard Bellis
Director de fotografía: Richard Leiterman.
Con: Tim Curry, Harry Anderson, Annete O’ Toole, John Ritter, Seth Green.
En 1966, la joven Kristen (Amber Heard) es ingresada en una institución psiquiátrica, donde conoce a otras chicas perturbadas con sus respectivos problemas... y a otra que se le aparece por los pasillos al caer la noche.
Una aclaración antes de hablar del film. Discrepo con la mayoría de los fanáticos del genero terrorífico sobre como se tiene que ver a un director. Basta mencionar, como ejemplo, a Dario Argento con La Terza Madre (2007) la cual fue criticada porque A) no tenía el aspecto visual típico de un film de director italiano y B) era cómica. ¿Desde cuando quedarnos solo en la superficie es bueno?, ¿es solo la estética de un film de Argento lo único que vemos? ¿Por que no se nos ocurrió por ejemplo que La Terza Madre era parte del euro terror donde siempre predomino el humor, el camp y lo bizarro y que a la vez era una vuelta al cine de la década del 80? Pero no Argento ya no hace tomas raras y no hay luces psicodélicas por ende la películas es mala. Esa actitud de poner a los directores dentro de una especie de ataúd de vidrio en la que si no hace tal o tal cosa no es una película de autor es lo que mas molesta. Y si, es una mirada limitada.
The Ward, el regreso de Carpenter sufría de esa expectativa de tener que ser la nueva Halloween (1978) cuando en realidad esas expectativas solo eran creadas en la mente de los espectadores. El director norteamericano no necesita ya darle una obra maestra (¿desde cuando una película se convierte de culto al apenas salir?) a los fans. Si, es cierto aun quiere filmar pero no le debe nada a nadie desde hace tiempo.
Otra cuestión es el tema de si es predecible, si lo que vimos ya se ha hecho anteriormente. ¿Cuántos supuestos fans tardaron en ver Halloween? Y al principio deben haber pensando que era mas de lo mismo pero por tener esa idea de lo primero es lo mejor o es Carpenter decidieron ver para otro lado. Que una película sea predecible o que lo que veamos se haya visto incontables veces no la convierte en mala. La diferencia esta en como lo narra. Y por más predecible que sea aun así vemos que John Carpenter es alguien que no solo sabe narrar sino que también conoce perfectamente el género.
The Ward es un cuento de fantasmas principalmente. Y Carpenter, conociendo el género, sabe lo que hace a un film de fantasmas interesante. No es raro que en varios momentos nos de la sensación de estar viendo un film clásico de terror porque eso es justamente lo que el director quiere. El director toma un guión normalucho y lo convierte en otra cosa. En uno de esos cuentos de fantasmas que leíamos de niños (vean sin ir más lejos el desenlace). Además de ser una vuelta al cine de la década de los 80 (vean los maquillajes sino)
Y no solo eso, también esta repleta de grandes secuencias de suspenso y tensión (cada secuencia de escape del hospital es todo una forma de hacer cine). Además Carpenter, inteligente, prefiere contar una historia y dejar que la misma historia se desarrolle normalmente hasta que aparezca la primera truculencia. Es mas dentro de la historia hay una secuencia que se conocerá al final lo cual mantiene el interés. Y sin hablar que hay varios momentos en que uno siente que esta viendo Halloween 2 (ya sabrán a lo que me refiero) lo cual hace pensar en toda la carrera de Carpenter.
Ese conocer del género le da también la posibilidad de burlarse de todo, de tener momentos cómicos. Estamos y repito ante alguien que conoce el género perfectamente.
Y seamos sinceros un solo plano de Carpenter tiene mas peso que cualquier plano virtuoso de Rob Zombie, Alexandre Aja y James Wan juntos. (Vean sino como el director norteamericano necesita solo un plano para decirnos en que época estamos sin recurrir constantemente a cosas de aquella época).
Da miedo The Ward. Posiblemente en la actualidad no pero siempre es bueno ver a alguien que por lo menos sabe mantener una trama y que ofrece secuencias de tensión impecables (repito un director sin el historial de Carpenter no lo habría sabido hacer)
¿Entonces que sea predecible, que lo que veamos sea haya visto anteriormente convierte a The Ward en una mala película?. No, la diferencia es ver a alguien que conoce el género de alguien que no lo conoce. ¿Que importa que no tenga la música típica del cine de el? ¿Eso hace mejor al film? ¿Por que mejor no nos fijamos en lo que quiere contar y si lo logra? ¿Y que importa si tiene o no sentido? Lo divertido es subirse a una montaña rusa donde hay sustos risas y cosas grotescas (algo de eso decía el director en 1978 con respecto a Halloween)
Una cuestión que demuestra el porque John Carpenter con esta nueva película sigue siendo uno de los mejores directores que existen.
Y el bonus track es la actuación de Amber Heard la cual es muy buena.
Director: John Carpenter
Guión: Michael Rasmussen, Shaw Rasmussen
Producción: Peter Block, Mike Marcus
Director de fotografía: Yaron Orbach
Musica: Mark Kilian
Con: Amber Heard, Danielle Panabaker, Jared Harris, Mika Boorem
Por primera vez han decidido romper todas las reglas: saltarse el programa, ignorar sus obligaciones y saborear la libertad. Pero, paraello, tendrán que dar esquinazo a sus admiradores, esquivar a los periodistas y desobedecer a sus mánagers.
Capaz haya sido suerte o capaz hayan tenido un buen manager pero lo cierto es que los Beatles tuviera la oportunidad de pertenecer a una de las películas mas importantes de la historia y además de encontrarse con Richard Lester que al igual que los cuatro de Liverpool se encontraba en un buen estado emocional (era su primer largometraje). Y es esa frescura junto a miles de cosas mas que convierte a Hard days night en una obra maestra.
La principal innovación que uno ve es la forma en la que fue abordada dicho film, a diferencia de otros ídolos juveniles como Elvis Presley el cual era insertado en tramas rocambolescas como una especie de héroe del western, los Beatles son vistos a través del mockumentary (un falso documental) que encierra una verdad (la beatlemania) y que a la vez es una comedia musical con momentos surrealistas, lo cual rompe con algunos esquemas del genero musical (cada canción por ejemplo se puede ver de manera independiente sin relación a la trama, lo cual los convierte en precursores de los videos musicales).
Pero mas que hablar de los Beatles lo más importante seria hablar de Richard Lester, el cual para ser un debutante se lo notaba un gran oficio y la vez mucha inteligencia en la realización.
Dicha inteligencia se ve en la forma de emplear el humor. Véase la escena de la fiesta donde Paul hace un gesto para irse a alguno de sus compañeros los cuales están fuera de campo para luego el gesto recaer en George que repite lo mismo, Ringo lo capta pero al hacerlo (se supone que el destinatario seria John) es arrastrado por sus dos compañeros que aparecen a los costados del cuadro para llevárselo. Logrando mediante el uso inteligente del montaje un gran chiste.
O en cada canción (particularmente A Hard days night y Can’t buy me love, que son los únicos que se repiten porque eran los hits del disco y además sirven como los momentos de clímax) encontramos muchas ideas visuales que logran la risa sin recurrir al dialogo. Por ejemplo la contraposición de John, Paul y George saltando alto con la de Ringo que apenas puede saltar (y que a la vez es el centro de todo el humor).
También hay espacio para el humor absurdo que rompe con la realidad del film pero que dentro del mismo tiene sentido. Como aquella escena en el tren en la cual luego de pelearse con un hombre que viajaba vemos a los Beatles al costado del tren en movimiento gritándole cosas. ¡Todo en escasos segundos! O el hecho de fuera de la banda ningún miembro es reconocido (de ahí las secuencias de confusión que protagonizan John, George y Ringo)
Pero la inteligencia no solo se ve en sus chistes sino la mirada que tiene en general de la beatlemania o mejor dicho del fanatismo. Todos sabemos que si los Beatles se acercan a sus fan serian despedazados por la histeria. La maestría de Lester es mantener a los fans en un fuera de campo como si se tratara de un peligro y filmar cada momento en que los Beatles están en la calle como si fuera una secuencia de suspenso el cual llega a su máximo esplendor en el final cuando son perseguidos por la policía y tienen que llegar al edificio donde darán un concierto y en cuyas puertas se encuentran amontonados miles de fans (¡entre ellos un joven Phil Collins!). Lo mas gracioso de esto es pensar en lo intercambiable que son los fans (esto es una opinión mía pero si los cambiaran por zombies el resultado seria exactamente el mismo)
La otra cuestión que aborda la película y la cual la vuelve aun muy interesante es esa mezcla de mockumentary con ficción. Se supone que estamos viendo un día en la vida de los Beatles donde vemos como son ellos realmente pero lo cierto es que es una mentira porque en realidad lo que vemos son a los cuatro miembros de la banda interpretándose a si mismos (algo común que suele pasar es que la gente se confunda a los personajes con lo que son realmente). Dice la leyenda que el guionista viajaba con ellos para ver la personalidad de cada uno pero aun así lo que vemos es un espejismo (muy irónicamente el que peor queda parado es John Lennon y George Harrison los cuales son vistos como dos playboys que se la pasan buscando mujeres).
El hecho de que Paul tenga un abuelo es la parte más ficticia del film y que lo acerca más al género de la comedia tradicional como lo es que haya dos ayudantes que tengan problemas entre ellos los cuales jamás se arreglaran.
Y es interesante también que todo haya sido filmado en blanco y negro cuando en esa época ya existía el color, por una cuestión de que el mismo color le hubiera sacado autenticidad a toda esta farsa.
Pero sobretodo Hard days night esta plagada de momentos únicos que aun no han sido repetidos por ninguna banda que haya tratado de aprovechar las oportunidades del relato (lo mas cercano fue tal vez Spice Word pero fallaba en todo lo técnicos). Desde su comienzo, pasando por las intervenciones de los dos comic relief que andan preocupados por los Beatles, hasta el dialogo confuso entre Lennon y una mujer pasando por el vacío existencial de Ringo. Todo el film es una muestra de cómo dejar una huella en la cinematografía. Los Beatles lo sabían y también Richard Lester.
Un dato loco: Cuando Ringo camina con el niño podemos escuchar de fondo el instrumental ‘’This Boy’’ el cual era cantada por Lennon pero que jamás salio en la edición que todos conocemos excepto en la norteamericana la cual se encuentra ¡pero rebautizada con el nombre de Ringo’s Theme!
Dirección: Richard Lester
Guión: Alun Owen
Director de fotografía: Gilbert Taylor
Música: The Beatles
Con: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr
