lunes, 30 de mayo de 2011

Sobre Zooey Deschanel




A todos nos pasa. Hay un tipo de chica que a todos nos gusta. La chica de nuestros sueños, la que tiene todo lo que nosotros valoramos pero que jamás tendremos.
Para algunos son las rubias platinadas, para otras son las modelos que aparecen en los programas de Tinelli pero para otros hay un tipo de mujer que es diferente a todas.
Primero para darnos cuenta hay que ver el prototipo de chico al cual le puede llegar gustar este tipo de chica. Me refiero al joven sensible o mejor dicho a ese muchacho que se cree diferente por tener gustos distintos a los demás. Seguramente vea y sepa mucho de cine, posiblemente le encante la música, no cualquier tipo de música sino que su gusto iría en contra de lo que la sociedad impone. Por eso el no se fijaría en el mas superficial de las mujeres. No le gustaría la rubia platinada y tonta, ni siquiera las modelos. No, aquel muchacho buscaría una chica especial que sea diferente al resto pero que no se da cuenta que solo la vea superficialmente y repito jamás va a poder estar y/o casarse con aquella mujer.
Zooey Deschanel es la chica de los (y míos también) sueños.
¿Por qué? Porque reúne todas las cosas que pueden llegar a gustar. Es muy linda, tiene ojos azules, los cuales son muy notables. Tiene una gran sonrisa que da la sensación de niña dulce y además es actriz y cantante (Busquen en youtoube She and him, la banda que tiene junto al musico M. Ward con el cual ya grabaron dos discos muy buenos).Le gusta el cine y sabe tocar varios instrumentos. Es el prototipo de chica que les gusta a los chicos sensibles que buscan desenmarcarse de lo que impone la sociedad sin saber que Zooey es también parte de esa sociedad y lo que vemos de ella es un personaje solamente. Ah y encima su marido es el prototipo de hombre que otras mujeres jamás les prestarían atención.
Por eso y porque actúa en grandes películas: Por eso amamos a Zooey Deschanel.

A continuación varias recomendaciones para todo aquel que comience a sentirse afectado por la Zooeymania

Almost Famous (Cameron Crowe, 2000): Uno de los primeros papeles de Zooey, aunque en realidad es un secundario. Igualmente su papel es pintoresco en esta gran película (a todo aquel fan del rock de aquellos años le va a encantar)

La guía del viajero intergaláctico (Garth Jennings, 2005): El libro es cien veces mejore y con otro director (un Peter Jackson capaz) podría haber sido visualmente impresionante. Pero aun así se deja ver. Nuestra Zooey es el interés romántico de varios y explota eso de chica nerd.

Winter Passing (Adam Rapp, 2005): Uno de los papeles serios de Zooey y por el cual mucha gente comenzó a verla como una actriz seria. Un muy buen drama. Al parecer Zooey en una época era fanática por hacer dramas. Gano el premio a la mejor actriz en el Festival de Mar del Plata.

All the real girls (David Gordon Green, 2003) Otro de los papeles serios de Zooey, y antecesora por lo temas que toca a 500 días con ella. En esta época la vemos con el pelo rubio.

Eulogy (Michael Clancy, 2004). Una de esas comedias extrañas que a mucha gente es posible que no le den gracia pero que a Zooey y a todos sus fans si.

Novia por contrato (Tom Dey, 2006). Una comedia romántica espantosa con dos actores con tan poco quimica pero que afortunadamente es salvada por Zooey en el papel de vecina loca que caza pájaros. Fue por este papel que mucha gente la comenzo a tener en cuenta.

Yes man (Peyton Reed, 2008). La típica película de Jim Carrey explotándose a si mismo. Afortunadamente Zooey le da el carisma suficiente y opaca al actor el cual se le nota cansado.

500 days of Summer (Marc Webb, 2009). El papel que la volvió nuevamente una superestrella y en el cual se burla de su propia imagen de niña buena que se va a quedar con el chico bueno y sensible. Vale mucho la pena verla. Y si, es un golpe
en el corazon para todos los fanáticos de Zooey.

Otro de los motivos por la que la queremos tanto es por su voz







jueves, 26 de mayo de 2011

Sobre el ''nuevo'' cine de terror frances




¡Odio el cine de terror francés! Aquel cine con tan poca personalidad, que cree que ser adulto es mostrar imágenes de violencia explicita pero se olvida que la seriedad no pasa por ahí y que tampoco pasa por mostrar temas tabúes.
El gran problema de este nuevo cine son sus fans. Jóvenes que con una mirada snob o un patriotismo berreta creen que el cine norteamericano es el mal del mundo sin saber la mayoría algo de cine. Si por lo menos supieran de historia sabrían que Francia jamás tuvo una gran tradición de cine de terror: Sacando algunos pocos exponentes y a Jean Rollin, el cual se dedicaba mas al sexplotation, si a Francia con otros países que explotaron el genero como Italia o España nos daríamos cuenta de que en realidad nunca hubo una gran proliferación de cine de terror. Esa nueva nominación se debe más que nada a que últimamente el género empezó a ser explotado en aquel país pero solo por eso, se debe más que nada a su modernidad pero aun así es una palabra mal usada. Se debería hablar del cine de terror francés, nada de nuevo cine de terror, nunca tuvo nada de nuevo.
¿Y que ofrece este género explotado en Francia? Pues nada Solo es un cine de explotación a veces muy pretencioso. La mayoría son solo obras donde reina lo grotesco y la pura casqueria sin el mínimo sentido de historia. El hecho de que todas las películas parezcan haber sido fotografiadas por el mismo tipo da una idea de la poca calidad que tiene.
A continuación un listado de las SOBREVALORADAS películas francesas.

Haute Tension: Irónicamente Alexandre Aja con el paso del tiempo mejoraría. ¿De que va esta película? De nada, la única tension es la del titulo. Además de contener puro gore, muy gracioso de paso, contiene posiblemente una de las vueltas de tuerca más insólitas dentro del cine de terror. Uno ve esa vuelta de tuerca y se enoja porque no es inteligente es solo para alargar la película y no solo eso sino que demuestra la vagueza a la hora de construir un guión.

Frontiere: Una de acción con caníbales, que da mas pena que otra cosa. Un mamarracho de pie a cabeza. Con un humor que o da risa y que a la hora es tan aburrida que dan ganas de sacarla. Al final, como pasa con el cine de terror Frances, todo se va al carajo y pasan cosas que son imposibles de creer que sorprende que los fanáticos de este cine se pongan mal porque el publico se ríe de lo que esta viendo. Una explosión y una chica con bazooka ¿Quién no se va a reír con eso?

Inside: Una de las películas mas supuestamente controversiales, pero cuando uno la ve no para de reírse de lo absurdo de toda la situación. O mejor dicho como no reírse si esa supuesta seriedad es invadida por gente que cuando la asesinan le salta sangre como en una película japonesa de samuráis. Esta bien que la línea entre el camp y el horror es muy fino pero esto ya sobrepasa todo, mas teniendo en cuenta la seriedad que se supone que trata de trasmitir la película. Al final como todo buen cine francés se termino yendo al carajo con policías zombies, gente deformada y situaciones tan ilógicas dentro de la misma trama. Un mamarracho.

Martyrs: Película que en realidad son dos en una. La primera es lo mas predecible que van a ver en su vida y no ofrece nada nuevo. La segunda peca de ser tan pretenciosa, y de dársela de dura que termina cansando. Una cosa es saber utilizar la violencia para impactarnos y hacernos pensar, como lo hacia el gran Sam Peckinpah, y otra es mostrar violencia por violencia sin saber de que cuerno se esta hablando. Así de vacía pretenciosa y tonta que es

La Horde. Una de zombies que no tiene nada que ofrecer. El hecho de que los protagonistas estén encerrados y quieran salir, solo para encontrarse con docenas de zombies más, demuestra la poca coherencia del guión. El resto es más de lo mismo, sin un átomo de originalidad. Una más de zombies, parecidas a esas que se filmaban en formato vhs en la década del 90.

Hay muchas mas, el genero esta creciendo y esta sobrevalorado. Y eso es culpa de los fans que creen que mostrar escenas crudas es sinónimo de seriedad. No, no mostrar sangre es saber utilizar los recursos. Gracioso que se quejen de sagas como Saw y después aplaudan este tipo de cine por las escenas que muestran. Un doble discurso.
El nuevo cine francés de terror es una mentira. Solo ofrece cutredad, no tiene una pizca de seriedad, ni de originalidad. Realmente piensen que tiene diferente al resto al cine francés ¿la sangre? Eso no hace nada. Y lo peor es que mucha gente cree que si.

sábado, 21 de mayo de 2011

Sobre The Howl (1968) de Tinto Brass




Anita es una joven estudiante que es encerrada en prisión por estar presente en una manifestación. Su marido la rescata de aquel lugar y le pide casarse con ella.
Pero el mismo día del casamiento ella escapa con un desconocido llamado Coso y juntos viven aventuras tanto surrealistas y como eróticas.




El nombre Tinto Brass estará siempre relacionado con el cine erótico o mejor dicho el cine sexplotation. Si, es cierto Brass siempre fue un director de films eróticos que buscaban desafiar la censura de aquellas épocas (en todo sentido). Un agitador que con el advenimiento y popularidad del cine pornográfico fue perdiendo su lugar hasta quedar convertido, para muchos críticos, en un director que por hacer cine erótico, no vale la pena re veer.
Una pena porque el mundo de Tinto Brass es uno muy interesante. No importaba si era cine arte erótico o comedias eróticas o naziexplotation, Brass siempre tuvo una mirada sobre las criaturas que poblaban sus películas. Esa mirada era la del libre albedrío, de la libertad absoluta, sin censuras, de vivir todos los sueños sin límites sin que importara el resto. Esta forma de ver al mundo lo convierten en capaz uno de los directores mas rebeldes que dio el cine
The Howl junto a Nerosubianco (filmada un año antes) fueron dos de las obras más difíciles de encontrar. No solo ambas fueron censuradas en su época (en especial The Howl o L’urlo) sino que cualquier copia posible fue desapareciendo con el paso del tiempo quedando apenas algunas emisiones en televisión aunque esas versiones eran las más censuradas.
Afortunadamente a principios del anterior una pequeña distribuidora junto a la ayuda de Tinto Brass hicieron lo imposible. A partir de los negativos originales, que el director italiano tenia en su casa, se restauraron estas dos obras aunque con resultados desiguales.

Describir a The Howl es imposible. Algunos pensaran que es una película surrealista, otros que es infantil y tonta, otros que fue producto de su tiempo. Es el conjunto de todas estas cosas que la convierten en adictiva. Eso y Tina Aumont
Acá no importa la historia, ni que los diálogos no tengan sentido, ni que los efectos sean trucos. No, acá lo importante es lograr alguna emoción en el espectador. Es un ataque directo a todos los sentidos y a toda la mente. Es por eso que jamás vamos a terminar de entenderla. Ni siquiera su propio director sabe por que filmo tal o tal cosa. Solo se dedicaba a filmar.
Hay algo que es cierto. Esta película es enemiga de la censura y de todo aquello que sirva como elemento de represión. De ahí que los diálogos no tengan sentido, para Brass el lenguaje es una herramienta para atrapar a las personas.
Lo mismo con argumento no cronológico y surrealista. Hacer una película convencional era una forma de represión y Brass sabia que no podía hacer esto con una historia así.
De hecho el mismo director en una entrevista dijo que lo que quería hacer era una película que captara el ambiente que se vivía en aquella época (hablamos de 1968) y con eso no me refiero a la forma de vestirse o a la música, sino a que un día se despertaba y lo que pasaba en el mundo afectaba a la filmación.
Capaz es por eso que el personaje de Luigi Proietti (que se llama Coso) sea en realidad un demonio pero no en el sentido bíblico, sino como una especie de guía que busca que la protagonista vea como es el mundo fuera de todo sistema represivo que ataca y ataca (El hecho de que al final la protagonista se case con su marido es un chiste irónico que da a entender que la gente es débil ante el sistema y que no pueden liberarse)

The Howl es también un compendio de escenas raras que nos descolocan y de las cuales no sabemos como reaccionar. Por ejemplo luego de la violación de Tina Aumont, hecha por todo un ejército, la vemos caminando semidesnuda mientras se yuxtapone la imagen de un tanque elevando su cañón y de repente aparece la voz de un pato diciendo cosas imposibles de entender
O toda la escena surrealista que ocurre en el hotel donde se viven todos los placeres. Ahí vemos desde incontables personas desnudas, pasando asesinatos de animales, también zoofilia y enanos encerrados, lo cual provoca la desorientación y la famosa pregunta de ¿Qué carajo estoy viendo?

Pero por sobre todo este film es un testamento a la ya fallecida Tina Aumont. La cámara de Silvano Ippoliti la adora y siempre la enmarca o le hace zooms a su rostro para que nosotros nos quedemos asombrados por su belleza (la escena del piano es el máximo ejemplo de esto) ayuda que duramente la mayor parte del metraje aparezca desnuda.
Pero tampoco se queda atrás su compañero el gran Luigi Proietti, gran cómico italiano que acá da muestra de todo su potencial y que en momentos supera a Aumont (de hecho es el lado gracioso de la película.
Capaz al espectador casual le moleste que no haya una narración cronológica o que lo que vean sean aventuras desconectadas entre si y dentro de si mismas. O que no haya una historia romántica entre los dos protagonistas Es esa forma anárquica la que mas llama la atención y que hace que uno quiera verla nuevamente para tratar de entender que es todo esto pero que jamás entenderemos. Lo que importa es dejarse llevar por las imágenes.


Dirección: Tinto Brass
Director de fotografía: Silvano Ippoliti
Música: Fiorenzo Carpi
Con: Tina Aumont, Luigi Proietti


martes, 17 de mayo de 2011

Sobre The Texas chainsaw massacre (1974) de Tobe Hooper




Cinco jóvenes de ciudad viajan por Texas en una vieja camioneta para visitar la que había sido la casa de un familiar, ahora abandonada. Lo que no saben es que sus vecinos son una familia de psicópatas caníbales y que aquella excursión de fin de semana se convertirá en una pesadilla de horror y muerte.


Atencion: Se revelan detalles de la pelicula


La carrera de Tobe Hopper fue siempre una gran desilusión para el aficionado al género terrorífico y para el cinéfilo. Luego de la obra maestra que fue La matanza de Texas el resto de su filmografía se dividió entre muy buenas películas (Poltergeist), películas decentes (The Funhouse, Salem’s Lot) y espantosas (The mangler). Un poco injusto es decir que su carrera fracaso si se lo compara con otros directores como John Carpenter, George A Romero o Dario Argento, quienes tienen en su autoria varios clásicos del genero.
Tobe Hooper es un buen cineasta, y un buen narrador pero no creo que quiera volver a filmar otra vez La matanza de Texas ya que esa película fue producto de su tiempo.
Sobre este film se ha dicho de todo y todas las lecturas que se hagan son correctas porque Hopper supo, ayudado por su imaginación y los precarias condiciones de filmación, narrar y saber abrir el relato para lograr miles de interpretaciones posibles.

Una de las cosas más llamativas es el contraste que se da durante todo el metraje.
Hay un escena ya a mitad de la película donde vemos a uno de los personajes (una chica que se llama Pam) dirigiéndose a la casa donde sabemos que murió su novio. La cámara a ras del suelo sigue a la chica mientras, a cada paso, la casa va ocupando todo el cuadro. Nosotros nos damos cuenta de que no tiene que entrar ahí pero también no podemos evitar mirarle el culo (irónicamente lleva unos pantalones cortos de color rojo), así creando una contraste entre la muerte y lo sexual.
La personalidad o mejor dicho no personalidad de los protagonistas y la familia de caníbales es otro gran contraste. Los adolescentes son intercámbiales, y Sally queda como protagonista porque si, por estar ahí, pero podría haber sido cualquier otro.
En cambio la familia tiene una personalidad definida y por eso simpatizamos mas con ellos. Pero entre ambos mundo hay un personaje, Franklin el obeso en silla de ruedas, que sirve como puente para unirlos.

Pero si hay algo que hace que uno quiera volver a ver esta película es la forma de filmar de Hopper. Cada vez que se revisa se encuentra algo nuevo.
El director para lograr todo este efecto sabiamente experimento con el posicionamiento de la cámara en distintos lugares para lograr cierta idea de retorcimiento en la mente del espectador. Desde acercar la cámara para asfixiar a un personaje, o poniendo calaveras frente al lente dejando a los personajes atrás. Sin ir más lejos la famosa escena de la persecución es todo una manera de hacer cine. En esa persecución que dura seis minutos se alternan cortes rápidos con cortes lentos donde no pasa nada y vemos a los personajes correr y desaparecer en la oscuridad. O vemos a ambos personajes, uno encima del otro ocupando todo el cuadro. Sin olvidar los zooms que se acercan y se alejan de ambos.

Otra de las cosas que hacen que La matanza de Texas sea una obra valiosa es su ideología subversiva.
La familia de asesinos caníbales no son solo mas que una visión retorcida y burlona de lo que es una familia tradicional (el supuesto padre es abusivo, el hijo adolescente es violento y roba cadáveres para hacer obras de arte bizarras, otro es un gordo travestido, el mas anciano no sabemos si esta vivo o no y la única mujer que hay es un esqueleto con peluca). Es entendible que esta mirada espantara al público norteamericano de aquella época, y más que nada porque eso pasaba en su mismo país.
Pero también hay otro idea, nihilista, que muestra a los personajes como carne, no hay dios, no hay un mas allá, solo somos carne para comer y/o usar. De ahí que cada crimen que veamos sea seguido por el ruido de un cerdo, o que a Sally la quieran golpear con un martillo hasta lograr su muerte como lo hacían anteriormente con los vacunos.

The Texas Chainsaw massacre fue un testimonio de la época, de ese momento después de la guerra donde los jóvenes veían con desconfianza a su país y a todos los valores con los que habían educado. La ideología es lo que espanto al público.
Y si bien es una pena que Tobe Hooper ya no filme de esa manera, con esas ideas y con ese entusiasmo, no se puede negar que sentó bases para el terror que vendría después.

Dirección: Tobe Hooper
Guión: Tobe Hooper, Kim Henkel
Producción: Tobe Hopper
Director de fotografía: Daniel Pearl
Con: Gunnar Hansen, Edwin Neal, Marilyn Burns, Paul A Partain.


sábado, 14 de mayo de 2011

Sobre Toy Story 3 (2010) de Pixar




Cuando su dueño Andy se prepara para ir a la universidad, el vaquero Woody, el astronauta Buzz y el resto de sus amigos juguetes comienzan a preocuparse por su incierto futuro. Efectivamente todos acaban en una guardería, donde por ejemplo la muñeca Barbie conocerá al guapo Ken. Esta reunión de nuestros amigos con otros nuevos juguetes no será sino el principio de una serie de trepidantes y divertidas aventuras.

Spoilers: Se revelan detalles de la pelicula



Hay un plano al final de Toy Story 3 que capaz sea la que mejor habla de las intenciones de los responsables de Pixar. En el vemos a los personajes (los juguetes) desde la mirada de Andy que se aleja abandonándolos. Obviamente esa mirada no es solo la del personaje sino que es la de nosotros mismos. Andy creció y tiene que dejar atrás todo lo que perteneció a su pasado, un poco triste si, pero seguro de haberlo dejado en buenas y nuevas manos.
Ese legado cultural es lo buscaba Pixar con esta saga. No solo para cerrar con broche de oro su historia (al fin y al cabo toda buena trilogía debe de tener un final épico) sino que también al haber crecido y, me imagino, al ser padres saben que han madurado y que tienen que dejar un legado con aquello que crearon y es por eso el regalo que es Toy Story. Una película para los que crecieron con la saga y que va a seguir existiendo en cada nuevo espectador que la vea.

Hay otra idea muy interesante que es el poder que tiene la imaginación cuando se es niño. Sin ir mas lejos toda la primera secuencia donde se narra en un escenario típico del western una pelea entre el vaquero Woody y el Señor cara de Papa para luego terminar en un delirio donde hay una nave espacial (un guiño a la primera Toy Story donde se hablaba del cruce entre lo antiguo y lo moderno) un BuzzLightyear volando y tres extraterrestres en un auto.Todo digno de la imaginación de un niño
Y si, uno piensa al ver esta película en el cine de Bergman, en el cine clásico, en el cine de terror. No son referencias como pasa con otras sagas que están metidas como calzador para la complicidad del espectador. Es que Toy Story 3 habla también de otro cine, el cual mantiene una conversación y le rinde tributo sin parecer obvia. Es por esto que uno se da cuenta que sus responsables tomaron la sabia decisión de ser niños una vez más y usaron la imaginación.

Toy Story 3 es también un compendio de grandes momentos fílmicos. Además del ya mencionado principio y final también hay que mencionar la escena más crucial y casi dolorosa de toda la saga: Aquella en la que nuestros héroes se unen ante una potencial muerte. Sin olvidar la escena del señor cara de Papa convertido en una masa redonda y blanda. Pura comedia física. Ver y reírse con un Buzz Lightyear en versión española (aunque el doblaje eche un poco a perder esto) y en especial y mención aparte a ese nuevo personaje que roba metraje: Me refiero a Ken

Si, es perfecto que se ame a Pixar y a cada nueva película que estrenan. Pero también esta la presión de superar cada expectativa. Esperemos que Toy Story 3 no sea lo máximo que puedan ofrecer en materia de secuelas y que las próximas entregas de sus películas exitosas sean igual de interesantes. Ya se, es mucho pedir pero uno se emociona tanto con una película tan buena como esta y por eso espera la próxima con ansias. Ahí estaré.


Dirección: Lee Unkrich
Guión: Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich
Producción: Daria K. Anderson
Con las voces de: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Timothy Dalton y Michael Keaton


miércoles, 4 de mayo de 2011

Sobre Insidious (2011) de James Wan




Josh (Patrick Wilson), su esposa Renai (Rose Byrne) y sus tres hijos acaban de mudarse a una vieja casa. Pero, tras un desgraciado accidente, el hijo pequeño entra en coma y, al mismo tiempo, empiezan a producirse en la casa extraños fenómenos que aterrorizan a la familia.


Cuando uno ve Insidious piensa en aquellos cuentos que y series que se leían y veían en la niñez. No lo digo como algo malo sino como algo a favor ya que creo que esa era la intención de James Wan y su equipo. Eso y asustar cada diez minutos.
La película esta construida con varios set pieces cuyo único motivo es provocar el miedo en los espectadores, no todos funcionan pero la mayoría están bastante bien conseguidos. Desde rostros en la oscuridad, hasta siluetas demoníacas, pasando por niños fantasmas, todo un espectáculo para provocar el miedo en los espectadores.
Porque Insidious no es más que una película de terror clásica, donde uno termina pensando en cintas como 13 fantasmas de William Castle, alguien que utilizaba cualquiera truco para provocar el espanto en los espectadores. Pero además de Castle también es notable la influencia de Mario Bava (vean donde ocurre el final y la escena de los maniquíes algo digno del director italiano, inclusive hay zooms que recuerdan a sus producciones). Lo mismo pasa con el maquillaje que utilizan los fantasmas. Pueden parecer ridículos o hasta inclusive pueden dejar de impresionar pero ¿acaso al cine de terror clásico no se le critica eso?
Lo gracioso es darse cuenta de que parte corresponde a sus creadores. Toda la primera parte con sus fantasmas y sus sustos son de Olin Pelin, director de Actividad paranormal. Y ahí están los famosos fuera de campo, pasando por el uso de encuadres para crear escenas de suspenso. La segunda parte con la aparición del demonio corresponde a los creadores de Saw (irónicamente su guionista tiene un papel importante) donde todo se vuelve un poco mas bizarro y donde es notable la influencia, como se dijo antes, del terror italiano. Afortunadamente Wan tiene ciertas idea de cine por lo que en ningún momento sentimos ese cambio forzado, es mas nos da a pensar en las miles de criaturas con las que soñábamos antes de irnos a dormir.

Todo esto va espléndidamente con el argumento del film que habla sobre recordar el pasado, en especial la niñez cuando una sombra podía despertar en nosotros los peores temores y ver cualquier cinta de terror nos provocaba noches de insomnio. Eso es Insidious, la vuelta a nuestros miedos de la niñez. Y como todo recuerdo terrorífico siempre vuelve una vez mas para un último susto.

Dirección: James Wan
Guión: Leigh Wannel
Producción: Oren Pelin
Música: Joseph Bishara
Director de fotografía: David M. Brewer y John R. Leonetti
Con: Patrick Wilson, Rose Byrne, Lin Shaye


lunes, 2 de mayo de 2011

Sobre Scream 4 (2011) de Wes Craven



Cuarta entrega de la popular saga de terror "Scream". Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Diez años después, convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface.



La verdadera Scary Movie, la película que apareció para burlarse del genero desde la autoconciencia y que jamás se tomo en serio a si misma (a excepción de su tercera parte). La primera Scream y esta nueva entrega en realidad son comedias disfrazadas de terror, como lo era El hijo de Chucky (Don Mancini, 2005), comedias de terror en las que sus protagonistas vivían dentro de una película que a la vez tenían su propia saga que en ambos lados se burlaban de todo. Sentirse defraudado porque no da miedo es no entender el juego que propone el director Wes Craven y su guionista Kevin Williamson.


El guión habla, entre muchas otras cosas, de cómo vivimos inmersos en la tecnología y de que fácil es ser alguien gracias a los medios de comunicación. En especial si es por malos motivos, un tema perfecto para explotar por una cinta de terror que a la vez es autoconsciente y esta escrita por un fanático de dicho genero.
Hago algunas aclaraciones: Suele haber un concepto erróneo en el público, aunque esto es una teoría mía, que piensa que ver algo predecible o un cliché es algo malo. Ser impredecible es lo que se espera hoy en día y muchos directores caen en esa trampa de querer cambiar todo el formato sin darse cuenta que en los lugares comunes es donde se apoya el cine. Para eso esta Scream 4 también, para hacernos recordar que el cine vive de esos cliches.
Por eso decir que peca de predecible o que no tiene una gran trama es absurdo ¡No hay nada malo en los clichés y los lugares comunes!. Perdidos en esta nueva era de lo impredecible pensamos que cualquier cosa obvia no vale la pena porque ya lo vimos. Eso solo pasa cuando estamos ante un mal director que no conoce bien el género. Lo importante del cliché es que cuando lo veamos lo aceptemos como la primera vez que lo vimos.
Hay otro concepto erróneo que dice que terror=miedo y que lamentablemente se juzga muchas veces por eso. Esto es capaz una mirada muy limitada, como pensar que porque no da miedo todo el cine de terror es malo. Con el paso del tiempo el género se fue mezclando con otros y el terror ya no es solo provocar miedo en los espectadores, cada película es su propio mundo y no se debe ir con preconceptos.


Es también esta nueva entrega, al igual que la original, una síntesis cultural de la década. No solo se cita y se habla del cine de terror sino que hasta aparecen actores de series famosas (Adrian Brody haciendo de policía) y se nombran películas y series ya emblemáticas como Glee. O Halloween 2 de Rob Zombie junto a punto de La cosa (1982) de John Carpenter
Pero mas que nada es divertido ver un guión burlándose de si mismo. Esta nueva entrega es una nueva versión en clave paródica del mundo que había creado en su trilogía. Es un guión honesto, que no oculta nada y dice todo.
Aun asi más allá del gran trabajo de Kevin Williamson, encontramos a Craven que, al parecer en un estado de gracia, logro hacer aun más inteligente al film, (vean sino toda la escena de Olivia, como magistralmente esta utilizada la puesta en escena en la que convierte a sus personajes y a nosotros en voyeurs) y que logra ofrecer su mejor trabajo en varios años.
Y además es notable lo bien que lo estaba pasando cuando la filmo. Jamás se la toma en serio, sabe construir varias set pieces (vean los tres principios).Pensandolo bien esta película parece una reunión de amigos que recuerdan los buenos tiempos.

Si hay algo más (mejor dicho a alguien) que resaltar de esta nueva entrega y que sintetiza el mundo de Scream y a los fanáticos del género es el personaje de Kirby (Hayden Panattiere). Si, es una chica fanática del cine de terror, también le gusta al rarito fanático y a la vez es cool. Ese personaje habla perfectamente de la película. Porque si, nos gusta por saber muchas cosas poco importantes y la vez le presta atención al fanático que le gusta el genero como el mismo guión. Que finalmente Charlie la asesine es un golpe de humor por parte de Williamson como si dijera ‘’maduren’’

Pero por sobre todo Scream 4 es muy divertida. Jamás decae el ritmo, siempre hay algo para ver y, capaz lo más inteligente logra emociones distintas. Desde sorpresas hasta sustos, pasando por risas. Eso es un buen entretenimiento, uno inteligente que busca que el público aplauda a la película y que este de su lado, no afuera burlándose de ella. Porque el cine es eso, una diversión, una fiesta. Y el que no lo acepta es un amargo.



Dirección: Wes Craven
Guión: Kevin Williamson
Producción: Harvey Weinstein
Música: Marco Beltrami
Director de fotografía: Peter Deming
Con: Neve Campbell, Courtney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Hayden Panattiere, Marley Shelton