Sobre 500 days of summer (2009) de Marc Webb

Tom (Joseph Gordon-Levitt) aún sigue creyendo en la clase de amor que está predestinado por el cosmos y que golpea como un rayo sólo una vez. Summer (Zooey Deschanel) no cree en el amor verdadero.

Pero eso no impedirá que Tom deje de perseguirla, una y otra vez, como un moderno Don Quijote, con todo su poder y valor. De pronto, Tom se enamora no sólo de la adorable, lista e inteligente mujer, sino de la idea misma de Summer, la idea misma de un amor que sigue teniendo el poder de sacudir el corazón y detener el mundo.
La mecha se enciende desde el primer día, cuando Tom se encuentra con Summer, la bella y fresca nueva secretaria de su jefe al bajar del avión proveniente de Michigan. Aunque aparentemente está fuera de su alcance, Tom pronto descubre que tiene un montón de cosas en común con Summer. Pero inesperablemente al día número 500, Summer decide terminar la relación. De ahí en más Tom intentará "revisar" los 500 días pasados intentando encontrarle un sentido a ese amor y ver la manera de convertirlo en realidad una vez más.

El director responsable de llevar esta historia a la pantalla es el debutante Marc Webb, responsable de videos musicales de My Chemical romance, Green day, Incubus y Weezer. Y si, es cierto, se nota de entrada que es un director de videos musicales y que compone las imágenes de su película como si fuera un video musical. No es que este mal que haga su película así. El problema de Webb es que plasma literalmente el guión y se enfoca demasiado en la imagen sin darse cuenta que a partir de esto puede abrir el relato a nuevas interpretaciones o posibilidades (como pasa también con esa basura cinematográfica llamada El Origen del vende humo de Cristopher Nolan)

Aunque es posible que esto no le interese a el. Porque 500 días con ella es una de esas películas en la que sus responsables se sienten cercanos al personaje principal. Por eso Webb se dedica al diseño como lo hace Tom Hansen, potencial arquitecto que diseña una imagen a base de sus gustos y las proyecta en su amada Summer por lo cual termina enamorándose y desilusionándose. Y Webb hace exactamente lo mismo. Llena su película de cosas que le gustan para hacerla ver como única. Como por ejemplo partir la imagen a la mitad, usar animaciones, estéticas que remiten a films como Annie Hall (1977) y Eternal sunshine of the spotless mind (2004), etc, llevando al extremo esa frase que dice ‘’mi vida es como una pelicula’’.
Y quizás esa sea la idea: Lograr que el espectador se identifique con la realidad del film usando varias herramientas que uno mismo usa en situaciones parecidas como tener una canción para cada momento y sentirse en una pelicula en particular.

Esa idea no seria posible sino fuera por el guión escrito por Scott Neustadter y Michael H. Weber que usa los sentimientos que todos tenemos para construir su relato y que además critica y toma conciencia de lo limitado que es el genero de la comedia romántica. Limites que la vuelven cada vez mas acartonada. Y no me refiero a que solo la historia cambie sino que también deben cambiar las reglas impuestas.
Y ahí esta el gran problema del guión y la pelicula en general. Si bien tiene varios motivos que la hacen más simpática que el resto, en realidad es una pelicula conformista: Critica, toma conciencia pero no hace nada más. No busca cambiar nada, ni dar vuelta los mecanismos del género, y si lo hace, es de forma tímida y bastante cobarde. Es una pena, por que pareciera que quiere hacerlo, mas con las ideas ya dichas en los anteriores párrafos, pero prefiere quedarse ahí como una más.

Y lo otro que molesta es el uso de narración fragmentada que en realidad no le juega ni a favor ni en contra. Es solo un artilugio para esconder que estamos ante varias situaciones trilladas, nada más que se mezcla un poco para que durante unos minutos ordenemos todo y caigamos en cuenta de que no era necesario esto. De hecho si se usara la narración tradicional ¡el resultado seria exactamente el mismo!

Afortunadamente, y a pesar que tenga varios defectos, la pelicula cuenta con varios motivos por el cual verse. Uno de ellos es la excelente actuación de Joseph Gordon Levitt, un actor cuya cara encaja perfectamente con el personaje de Tom Hansen. Si, lo vemos y nos creemos que escucha música indie, que es sensible e inmaduro y Levitt experto en esto saca a relucir todos los comportamientos que alguna vez tuvimos en situaciones amorosas.
Además y una de las cosas mas importantes es que cuenta con una excelente banda sonora (de hecho hace rato que no se escuchaba algo asi dentro del genero) seleccionada por el mismo Webb y que la vuelven totalmente irresistible
Hablando de Webb. Al final de la pelicula se olvida un poquito de sus jueguitos visuales y diseños para concentrarse en la mas pura realidad y es irónicamente ¡donde estan los mejores momentos de la pelicula! (particularmente la ultima salida al cine de Tom y Summer y la conversación en el parque donde se dicen las cosas que no se tienen que decir) y demuestra que cuando quiere Webb puede ser mas que un diseñador.
Todo esto hace que 500 dias con ella sea un buen exponente de la comedia romántica. No es una obra maestra pero si vale la pena.

Sobre halloween (2007) de Rob Zombie

Nota: La siguiente película cuenta con tres versiones diferentes (el workprint, el corte de cine y el corte del director). Decidí utilizar esta última por que es la visión de su director.



¡Y 29 años después los fanáticos del cine de terror pusieron el grito en el cielo! ¿Por qué? Porque se estrenaba Halloween, el clásico intocable, y porque su director era nada mas y nada menos que el músico Rob Zombie, amado y odiado en el ámbito del cine.

La historia de Halloween es la siguiente: Michael Myers (Daeg Faerch), que esta vez tiene 12 años, vive junto a su madre stripper (Sheri Moon Zombie), su padrastro abusivo (William Forsythe) y sus dos hermanas, una que es puta y la otra que es un bebe a la cual llama Boo. En el colegio no le va nada bien por el constante abuso de sus compañeros, es por esto que luego de una riña es visitado por el doctor Sam Loomis (Malcom McDowell) para poder estudiar el comportamiento del niño. Un poco tarde ya que ese día, que casualmente es Halloween, Myers mata a su padrastro a su hermana y al novio de esta.
Luego de tal crimen y el suicidio de su madre es encerrado en un manicomio donde es analizado por Loomis durante 17 años hasta que deja de ser su paciente por cuestiones burocráticas. Pero el escapa y vuelve en a su pueblo en busca de su hermana matando a todo aquel que se cruce en su camino.

Muchos fanáticos cuando vieron esta remake se enojaron por el estilo con el que decidió enfocar la historia. Contrario a Carpenter que había decidió mantener la sangre y cualquier tipo de elemento del cine explotation fuera, Zombie opta por ese camino lo cual no esta para nada mal. Desde su opera prima House of 1000 corpses (2001) este director demostró que el mundo que le interesa es el del cine explotation y ese es un gran acierto, porque querer copiar un film toma por toma sin ningún criterio o punto de vista es absurdo. Es por eso que filma de nuevo escenas de la original para así adentrarnos a su mundo lleno de personajes grotescos y absurdos, luces de carnavales y violencia

Dije que Zombie hace explotation. Y ese es un gran acierto. No tiene, en ningún momento, miedo de mostrar violencia obscena, que asusta por la forma en que se ensaña con sus personajes, tampoco de hacer planos frontales de mujeres desnudas, ni de mostrar incontables escenas sexuales, ni de insultar a todo personaje que aparezca en su mundo. Esa mala leche contagia a todo el mundo que creo y demuestra su forma de ver las cosas. Acá Myers es solamente una victima del mal funcionamiento de las instituciones tradicionales (entiéndase la familia y los colegios) y la única manera de terminar con esto es destruyéndolo todo a cuchillazos.
Esto en una época donde mucho cine de terror se la da de políticamente incorrecto porque muestra torturas (si, me refiero a la saga del juego del miedo e imitadores) pero en que en el fondo no son más que una propaganda políticamente correcta, es algo digno de aplaudir.
De hecho la escena que sintetiza todo esto es aquella en la que Myers ahorca al personaje de Lynda que esta desnuda. En un primer plano la vemos totalmente desnuda siendo asesinada, como una especie de declaración de principios.

Zombie, de forma sabia, le da otra forma de ser a su Michael Myers y que va con el discurso de su película. Y es gracioso que siempre se lo critique con el argumento de que no hace o no sabe hacer escenas de suspenso. A Zombie jamás le intereso hacerlo. El Myers que creo es un personaje imparable que mata, mata y mata, de ahí que en la película no pasen cinco minutos sin que muera alguien. No tiene necesidad de crear una escena de suspenso por que el personaje es tan violento y corpulento que destruye todo lo que haya a su paso.
Pero no solo eso. Zombie al darse cuenta de que tiene en sus manos una película del genero slasher decide, de nuevo de forma sabia, jugar un poco con el subgénero. De ahí que haya escenas que se repitan, que la forma de asesinar sea siempre la misma, inclusive le da mucha historia a todo esto cuando al cine slasher jamás le intereso.

Hay dos cosas más a resaltar de esta interesantísima propuesta.
La primera es el uso de la música: Rob Zombie, ex líder de la banda de heavy metal White Zombie y director de sus propios videos musicales sabe perfectamente como utilizar canciones. Al comienzo podemos escuchar God of Thunder de Kiss mientras vemos el plano de una casa destartalada. El uso de esta canción pareciera ser que nos esta indicando que el que vive ahí esta a punto de explotar. De hecho es una canción bastante pesada.
También usa otra canción para darles un guiño a los fanáticos de la original y a su vez relacionar escenas. Me refiero a Don’t fear the reaper the Blue Oyster Club cuando asesina a su hermana y luego al asesinar a la amiga de su hermana, ¡la cual estaba en la misma habitación y en la misma posición que ella!

Pero si hay algo que hace que Rob Zombie se imponga sobre los demás directores de género es su forma de filmar la violencia de cualquier tipo.
Por empezar Zombie nunca se pone del lado de ningún personaje, ni nos dice si son buenos o malos, para el todos son lo mismo: Material para ser acuchillado y/o destruido. También es notable lo excesivo que suele ser con los insultos, a veces siendo bastante creativo, en particular cuando son dirigidos hacia las mujeres (las cuales suelen ser bastante denigradas).
Pero es la hora de filmar un asesinato donde demuestra toda su maestría. Es como si el mismo Zombie fuera el que esta matando a sus personajes por el simple hecho de encontrar placer en el dolor. Y esta violencia no es como la del Juego del miedo e imitadores donde nos shockea una imagen asquerosa. No, acá es esa violencia que nos shockea por que escuchamos el dolor de cada victima. Sino vean el asesinato de la hermana de Michael y su novio. En ambas se usa el fuera de campo pero escuchamos los gritos de la victima, el victimario y del arma asesina de forma brutal. Y su director se regodea en detalles de sonido para que, si nos tapamos los ojos, oigamos igual, y así hacernos sufrir, por que Zombie sabe perfectamente que es un terrorista del buen gusto y sabe que el cine de terror que el plantea tiene que hacer pasar mal a sus espectadores lo cual lo logra con creces.

Se le puede criticar muchas cosas a esta película y a su director, como incoherencias en el guión, su excesiva duración y que a veces peca de ser un poco pretencioso (vean la secuela que el mismo filmo, que es interesante y fallida a la vez) pero no se puede negar que dentro del cine de terror moderno Rob Zombie es el único con una visión, una imaginación y un manejo de las reglas del genero que lo aparta del resto de esta nueva camada llena de oportunistas y directores sin el mas mínimo atisbo de calidad que se regodean en hacer secuelas sangrientas sin ningún tipo de identidad

Halloween (2007)
Dirección: Rob Zombie
Guión: Rob Zombie
Música: Tyler Bates
Produccion: Malek Akkad, Andy Gould, Rob Zombie
Director de fotografía: Phil Parmet
Con: Malcom McDowell, Scout Taylor-Compton, Tyler Mane, Daeg Faerch, Sheri Moon Zombie, William Forsythe, Danielle Harris.

Sobre los Kinks, su musica y su relacion con el cine

Ni los Beatles, ni los Stones o los Who. Ninguno de ellos tuvo una relación tan estrecha con el cine como los Kinks. Y si bien estas bandas mencionadas se relacionaron con el cine (Los Beatles de hecho innovaron dentro del genero musical) fueron los Kinks quienes mas estuvieron arraigados a esta faceta.

Un poco de historia primero: Los Kinks son una banda inglesa que se formo en el año 1964 con Ray Davies a la cabeza, Dave Davies en guitarra, Pete Quaife en bajo y Mike Avory en batería. Los que interesan igual son los dos Davies (en particular Ray ya que es considerado uno de los mejores líricos dentro de la escena del rock). La banda se disuelve en 1996 luego de numerosos cambios de formación y peleas entre los hermanitos.
¿Cómo describir la música de los Kinks? Entre naive y encantadora. Me explico; lo naive es básicamente por la voz de Ray que suena tan infantil y también por las letras que escribió que son simples y directas, hasta el punto de ser demasiado obvias. Pero a esto se le suma unos arreglos musicales impresionantes, que parecen simplones a la primera escucha pero al terminar nos damos cuenta de lo bien armado que esta. Pero lo que realmente distingue a Ray Davies de todos sus compatriotas es la forma de ver al mundo. Casi todos sus discos tratan un solo tema: El individuo ante el mundo que lo presiona.
De hecho Ray es uno de los grandes críticos de la sociedad (en especial la británica) y del mundo del rock. Tan crítico fue en su momento que de hecho tuvo varios ataques nerviosos por no seguir el estilo de vida que le imponían.
Es por ser tan británico que la banda no es tan famosa. A diferencia de los Beatles y los Stones la música de los Kinks suena a Inglaterra, por más que en la década del 70 hayan abandonado un poco esto, su época mas importante es la que suena más británica. Hoy capaz podemos dejar de lado como suena cierta música pero en aquella época si un disco no funcionaba en el mercado de los EE.UU. era desechado y olvidado. Los Beatles y los Stones sabían esto y es por eso que suenan universales. Ray lo sabía pero quiso imponer su visión ante cualquier cosa. Es por eso que sus discos jamás fueron exitosos.
Otras causas de su no éxito es que hacían las cosas bien en el momento equivocado (editar The Village Green preservation society y Arthur (or the decline and fall of the british Empire) en plena época del hippismo siendo acusados de conservadores por hablar de la tradición en vez de ser psicodélicos. También al sonar simplones mucho público le dio la espalda.
Afortunadamente el paso del tiempo los olvido y hoy son considerados una de las cinco mejores bandas de la historia. Y Ray Davies un visionario adelantado a su tiempo.

Dije que de todas las bandas de esa época los Kinks fueron lo que mas se apegaron al cine. Siempre con malos resultados. Cuando lanzaron su mejor disco, Arthur, nadie sabia que esta rock opera (algo que ellos fueron precursores) en realidad se había originado como un proyecto para la televisión, el cual nunca dio a luz por cuestiones burocráticas. Ese mismo año The Who lanza su rock opera Tommy siendo un éxito mundial y dando paso a la película del mismo titulo. Ambos discos salieron el mismo año pero el de los Kinks mas tarde y por eso fueron acusados de imitadores (aun así Pete Towhnsend admira profundamente las letras de Ray)
La oportunidad de hacer una banda sonora vendría dos años después con Fancy, casi imposible de encontrar, pero teniendo en cuenta lo irregular que es el disco podemos darnos una idea lo que es el film.
Durante esa misma década la banda saco los infames y olvidados Preservation Act, Soap Opera y schoolboy in disgrace. Álbumes donde mostraban la faceta actoral de Ray Davies. Es mas Soap Opera fue transmitido por la BBC como una obra de teatro musical actuada solamente por su líder con la banda de fondo (se pueden encontrar extractos del show en youtube.)
Falta también hablar de la cantidad de letras que Ray le dedico al cine como Wish i Could fly (Like Superman), cliches of the World (B movies) o sitting in the middlay sun en donde se habla de las video caseteras ¡años antes de que se comercializaran!


Pero los Kinks realmente triunfaron dentro del cine años después de disolverse cuando varios directores comenzaron a utilizar canciones suyas. Voy a hablar de tres en particular, aclarando que hay algo misterioso en la forma en la que los directores utilizan la música para narrar ciertas escenas.
Por ejemplo en Les Amants Reguliers (Philippe Garrel, 2005) film que trata sobre el mayo francés y el después a través de los ojos del personaje interpretado por Louis Garrel. Hay una escena en cuestión, se puede ver por youtube, que empieza mostrando el número de una calle, es el 69, (que a su vez es una forma de mostrar el paso del tiempo luego del histórico suceso). Luego vemos el interior de un lugar donde varios jóvenes bailan y charlan al ritmo de This time Tomorrow del disco Lola versus powerman and the moneygoround (1970). La melodía es movediza y alegre pero la letra no, trata de escapar del mundo y ver que pasa luego. Y asi parece verlo el personaje de Garrel tirado en un sillón con el rostro cansado mientas observa a sus amigos.
Cuando uno ve esta escena no imagina otra canción. No es que la película fue hecha para poner justamente ese tema, sino que no hay otra que sintetice de mejor manera lo que le sucedía a la juventud en aquel momento.
This time tomorrow aparece nuevamente en The Darjeeling limited (Wes Anderson, 2007) film que trata sobre la unión de tres hermanos que viajan en un tren por India. La escena donde aparece dicha canción se da al comienzo cuando vemos al personaje de Adrian Brody llegando tarde al tren y dejando todo atrás. En esta misma película se escucha Strangers (una de Dave tenia que haber) para mostrar a los tres hermanos unidos.
Hay algo a destacar sobre estos films y el que mencionare luego. Todos tratan sobre outsiders, todos tienen una sensación de melancolía y en todos hay una perdida (en especial en el caso de Anderson) y solo las letras de Ray parecen captar estos sentimientos y los temas de los que se hablan. De hecho en la misma pelicula suenan varias canciones más pero son únicamente las de los Kinks las que son recordadas.
Hay otro film mas reciente que si bien tiene una banda sonora muy diversa incluye dos clásicos de la banda: All day and all night y Sunny afternoon. The boat that rocked (Richard Curtis, 2009) sobre unos djs piratas que en la década del 60 transmiten música desde un barco y desafían a la censura. Todo narrado desde el punto de vista de un joven recién llegado que busca a su padre. Ni bien comienza la pelicula escuchamos All day and all night y vemos lo que producia la música en la juventud de aquel momento (irónico que no se use un tema de los Beatles quienes fueron uno de los primeros en desatar toda esta histeria)
Sunny Afternoon es la que mejor refleja la situación de los personajes. Mientras pasan música se divierten y vemos en distintas situaciones personas disfrutando lo que la letra dice

Entonces a todo esto es fácil contrariarlo diciendo los Kinks no tuvieron tanta relación con el cine como por ejemplo los Beatles pero realmente fue la banda mas rescatada por el cine (y la televisión también sino vean Lalola inspirada por el famoso hit que tuvieron). La diferencia es que el uso excesivo de la música de los Beatles en cualquier engendro hizo que la gente le cansara cualquier film que tuviera algo de ellos, convirtiéndose en un lugar común. Con los Kinks no, uno descubre películas interesantes, ve el cine de otra manera, ayuda a entender de qué trata dicho film. No los olvidemos.

¿Canciones a destacar? Acá vamos. You really got me, Sunny afternoon, Dead end street, Two sisters, Waterloo sunset, Do you remember Walter? Days, Startruck, Yes sir no sir, She brought a hat like princess marina, Shangri la, Lola, Apeman, Strangers, This time tomorrow, Have a cuppa of tea, Here comes another day, Motorway, Maximun overdrive, Demolition, Holiday romance, Sleepwalker, Better things, Do it again, A little bit of abuse, Destroyer.

Sobre el cine de terror antiguo/moderno y los fanboys

Debe ser mi culpa pero realmente no entiendo a los fanboys del cine de terror. Quiero explicar el por que de esto. Hace un tiempo comente en el programa Colores de la oscuridad que la película Let me in (2010) era igual de excelente que su versión original sueca llamada Let the right one in (2007), y que me parecía absurdo que los fanáticos tildaran a casi todas las remakes de bazofias. Mi punto era que una remake podía ser interesante si el conjunto de imágenes (por mas que fuera toma por toma) daba una significado diferente: en el caso de Let me in optaba por ser una de terror, lo cual era perfecto. Y que prefería este tipo de cintas a verdaderas bazofias como The hill have eyes, la cual es tomada como una gran remake, o The Grudge que lo único que hacen es copiar imagen e imagen diciendo sexactamente lo mismo.
A esto varios fanboys pusieron el grito en el cielo: De que eran puras patrañas lo mío, que era pretencioso, etc. Miren, no tengo problema en que la gente vea el cine que quiera pero eso de que el cine de terror/fantástico de antes era mejor que el de ahora me parece una idiotez que demuestra el poco criterio de los fanboys. Y no estoy diciendo que el de ahora sea mejor. Sino que sigue siendo exactamente igual. La única diferencia es que ya no se hacen la cantidad de películas en Italia y España como hace 3 décadas atrás.
Y lo que realmente molesta de los fanboys es esa actitud chiquilina de discutir las cosas con argumentos sacados de IMDB y que no ponen en duda el terror de antaño para llevar la contra al cine actual por que lo moderno es malo, lo que evidencia lo cerrado de sus mentes. Y aclaro, una cosa es disfrutar de una película vieja (a mi me encanta Halloween por ejemplo por que es toda una clase sobre como hacer cine) y otra es sobrevalorar todo el cine de antaño por que si. Y argumentar cosas absurdas que solo demuestran que el cine de antes y ahora sigue siendo el mismo. Por ejemplo que ahora el cine de Hollywood (aclaro que hablo del cine de terror norteamericano)se hace solo por dinero, ¿acaso piensan que Lucio Fulci hacia películas por el arte? ¿Acaso no hizo Zombie 2 por que necesitaba el dinero? Todo el cine explotation sale por la necesidad de hacer dinero, es un doble discurso absurdo decir que por que ahora se hace dinero antes no por que siempre fue así desde que el cine es industria
O que el cine de ahora son puros clichés y personajes que a nadie le importa. Estos mismos fans luego aprecian al cine Slaher o a películas italianas ¡donde en ninguna uno le tomaba simpatía a los personajes! Y no me vengan con que el cine de italiano en realidad buscaba el aspecto visual sobre toda las cosas por que hay que ser ingenuo para creer eso. No, los guiones se hacían rápidamente para aprovechar el subgénero de moda de ahí que nada tuviera sentido. Y sobre los clichés y lugares comunes, es también absurdo pensar que no se pueden usar. Es imposible, un guión necesita de lugares comunes y clichés, es lo que hace avanzar la narración. Lo molesto es si ese lugar común se nota forzado pero si hay alguien que sepa manejarlo pasa desapercibido y es aceptado.
Otra cosa que suelen achacarle al terror moderno es que son puras sangre y tripas para asustar y no hay historia. ¿Pero el cine italiano de los 80 no era así? Ninguna película de Lucio Fulci ni de Jean Rollin, ni de Umberto Lenzi tenia una historia y todos se apoyaban en el gore para asquear y dar miedo.
También suelen decir que el cine de Hollywood es malo ¡por que es para adolescentes! Esa es la cosa más hipócrita que se escucho. Todos los clásicos por los cuales estos fanatiquitos se babean fueron hechos para los adolescentes de la época. El cine de terror vive para los adolescentes, siempre fue destinado para ese público. Y si varios de estos clásicos los estrenaran hoy serian PG13 (si en Halloween no hay sangre y apenas desnudos por ejemplo). Y no solo eso, decir que es para adolescentes que buscan un estilo MTV tratándolo de tontitos es lisa y llanamente una discriminación que demuestra como estos fanboys les gusta sentirse al margen de la sociedad creyéndose superiores por lo que saben cuando en realidad se auto discriminan ellos mismos.
Hay otras miles de payasadas mas, como decir que ahora no hay ideas originales en el cine de terror para luego aplaudir a al primer director que hace películas con una estética setentosa. O que el cine de ahora no deja nada a la imaginación para luego aplaudir sandeces como a Serbian film o el cine gore de los 80 que vuelvo a repetir ¡no daba pie a la imaginacion!
No me quiero exceder mas con esto para que no se aburran. no esta mal que a uno le gusten películas viejas, hay muchísimo para aprender, pero no se quede nadie en eso de que todo pasado fue mejor por que en la actualidad todavía hay mucho cine del bueno. Y cerrarse no nos hace avanzar.

Sobre Halloween (1978) de John Carpenter

Siempre dije que de toda la filmografía de John Carpenter Halloween (1978) era la
que tenía las cosas mas complicadas frente al público. Por un lado por que dicho publico se fue haciendo mas listo con respecto a las reglas del subgénero slasher (aquel donde un asesino enmascarado mata adolescentes) que implemento esta película y que luego fue hecha y rehecha en miles de copias mas. A esto se le suma el hecho por cual muchos espectadores se sienten desilusionados a ver por primera vez dicha cinta
En parte por que buscan el miedo que puede provocar una imagen, lo cual es valido pero también esta el miedo es pensar en algo y caer en cuenta de lo que realmente es, cosa que es lo que pasa en esta cinta.
Esa es la principal desventaja, estar vestida como una de las películas que mas miedo da y que los autoproclamados fans del genero intenten ‘’venderla’’ apelando a la idea de ‘’que da miedo’’ o es ‘’innovadora’’ pero se quedan solo en eso y la persona que la ve a) no le importa que sea innovadora b) va a buscar que le de miedo sus imágenes. Y es por eso que mucho publico le parece aburrida por que esta mal vendida.

Pero primera vayamos a la historia. En la noche de brujas del año 1963 el joven Michael Myers asesina a su hermana para luego ser encerrado en un manicomio donde es estudiado por el doctor Loomis (Donald Pleasence). 15 años después escapa y empieza a perseguir a una niñera (Jamie Lee Curtis en su debut actoral) cuyo único pecado fue pasar por la casa donde se había escondido. A todo esto el Doctor Loomis vuelve al pueblo para buscarlo y gritar por todos lados que es la esencia del mal.

Ahora cuando uno ve una película por primera lo que busca es un entretenimiento. En esto puede llegar a defraudar ya que tarda en comenzar y lo que pasa ya se ha visto mil veces (descontando el hecho de que es difícil conseguir una copia de Halloween en este país).
Pero por algo John Carpenter es un director respetado que trasciende el género en el que siempre estuvo. Esta bien podemos achacarle que sus ideas no son originales y que no es muy bueno escribiendo diálogos y hasta podemos decir que sus películas están llenas de lugares comunes. Pero hay una gran diferencia entre el y muchos otros directores de terror. Que sabe narrar; Y no me refiero a que la película se sienta fluida sino que esos mismos lugares comunes no se sientan ni forzados ni sobreexplicados.

Ya desde el principio Carpenter pone todas las cartas sobre la mesa. La secuencia inicial esta narrada desde un punto de vista subjetivo sin cortes (que a su vez nos remite a la famosa escena de Touch of Evil de Orson Welles) en donde alguien asesina a una mujer desnuda. El asesino escapa y es desenmascarado en otra toma que revela que el asesino en un menor de edad!

Hay una escena en que uno de los personajes llamado Annie va a buscar a su novio. Llega al garaje de la casa donde esta e intenta abrir la puerta de su auto, cosa que no puede, vuelve a la casa a buscar las llaves y se dirige al auto esta vez abriéndolo sin la necesidad de las llaves. Ella no le presta atención a esto pero nosotros si. Ya dentro del auto se da cuenta de lo que paso pero es demasiado tarde por que el asesino esta en el asiento de atrás. Nosotros como espectadores sabemos lo que le va a pasar al personaje pero este no. Eso es jugar con nosotros y tratarnos de cómplices.

En una escena anterior el mismo personaje habla con su novio por teléfono mientras el asesino la espía desde el fondo. Todo narrado desde un mismo ángulo dejando que sea la actriz que se mueva dentro del cuadro y aprovechando la profundidad de campo. Justamente esta escena es una de las que mas dice en todo el metraje. No solo es una escena de suspenso y muestra que hace Annie sino que también muestra lo que es este.

Y ahí esta algo que le juega a favor y que hacer subir a este personaje emblemático por sobre todos los demás. En realidad nunca sabemos bien que es Michael Myers, si un loco que escapo de un manicomio o la esencia misma del mal. Simplemente es aquello que esta en la oscuridad de cualquier lugar esperando salir y que personifica todos nuestros miedos, solo que Carpenter le da una entidad. En el único primer plano que se hace de la cara de Myers lo único que notamos es que su mascara parece estar pegada a el y que sus ojos son oscuros, no sabemos si hay algo mas.
Para lograr eso Carpenter no nos da una pista concreta sobre el personaje. En una de las escenas finales Myers es desenmascarado y vemos que es una persona normal. Luego recibe 6 disparos y aun así escapa. Ese jugar con la ambigüedad seria destrozado en subsiguientes secuelas tratando de darle motivos.

Tampoco hay que olvidar el uso perfecto de travellings (la persecución final es toda una muestra de cómo hacer cine) ideado por el director de fotografía Dean Cundey ni tampoco el juego de luces que muestran de noche un pueblo fantasmagórico mientras que dentro parece todo calido.

La música compuesta por el mismo Carpenter juega otro papel importantísimo. No solo creo una de las melodías más reconocibles del cine de terror sino que es solamente en los momentos más definitorios.
También la otra melodía que mas se repite es solo usada cuando se muestra al pueblo y tan tranquila y siniestra que lo que pareciera querer decir es que dentro de todo lugar tranquila hay siniestro esperando.

Y finalmente Carpenter puso de moda los estereotipos de todas las películas de terror. Desde la chica virginal, pasando por la amiga puta hasta el doctor/policía que busca al criminal. Si, fue acusado por dejar viva a la heroína virginal mientras sus amigos libertinos eran culpados pero dudo mucho que lo haya pensado mientras escribía el guión. Además si hablamos de un personaje que personifica todo el miedo de la sociedad (mas hablando de la sociedad norteamericana que justamente tiene un grave problema con la sexualidad) ¿no puede acaso usar el miedo al sexo como arma de doble filo para demostrar que los padres con sus sistemas represivos pueden llegar lastimar a sus hijos?

Es por todo esto que Halloween es una película interesantísima y toda una muestra de cómo se debería hacer cine de terror. No solo copiando los lugares comunes del género sino que también sabiéndolos narrar y abriendo el relato para distintas interpretaciones. El tener ideas originales no convierte una película en inteligente (ahí esta Christopher Nolan con su Inception) si falta lo más importante: Saber narrar.

Halloween (1978)
Dirección: John Carpenter
Guión: John Carpenter y Debra Hill.
Musica: John Carpenter
Producion: Debra Hill y John Carpenter
Director de fotografia: Dean Cundey
Con: Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis, Pj Soles, Nancy Kyes, Charles Cyphers.